Costruzione Capannoni in Acciaio Zapponeta

Il 8 aprile 2005, si sono tenuti i funerali di Papa Giovanni Paolo II, presso la Basilica di San Pietro in Vaticano. Oltre 250.000 persone erano presenti in Piazza San Pietro per rendere omaggio al pontefice defunto. Il corteo funebre è partito dal Vaticano e si è snodato per le strade di Roma, permettendo a migliaia di fedeli di salutare per l’ultima volta il Papa.

I funerali di Papa Giovanni Paolo II sono stati uno degli eventi più seguiti nella storia recente, con milioni di persone in tutto il mondo che hanno seguito la cerimonia in televisione o attraverso i mezzi di comunicazione. Il pontificato di Giovanni Paolo II è stato uno dei più lunghi della storia della Chiesa cattolica, durato quasi 27 anni.

Dopo i funerali, il corpo di Papa Giovanni Paolo II è stato sepolto nella cripta della Basilica di San Pietro, dove giace accanto ad altri pontefici defunti. La sua figura è stata amata e rispettata in tutto il mondo, per il suo impegno a favore della pace, della giustizia sociale e dei diritti umani.

La presenza di così tante persone ai funerali di Papa Giovanni Paolo II è stata un segno del profondo affetto e della stima che il pontefice ha suscitato nel corso della sua vita. Il suo ricordo rimarrà vivo nei cuori di milioni di fedeli in tutto il mondo.

Il progetto di ricostruzione della stazione di Penn a New York City del valore di $7 miliardi è stato assegnato al Dipartimento dei Trasporti degli Stati Uniti, che assumerà il controllo della gestione. Questa decisione è stata presa a seguito delle critiche rivolte alla Metropolitan Transportation Authority (MTA) per inefficienza, sprechi e cattiva gestione da parte del capo dell’agenzia federale Sean Duffy.Amtrak sarà il principale sviluppatore del progetto, che mira a migliorare e modernizzare una delle stazioni ferroviarie più trafficate degli Stati Uniti. La stazione di Penn è un importante snodo di trasporto per i pendolari che viaggiano tra New York e New Jersey, e la sua ricostruzione è considerata fondamentale per garantire un servizio efficiente e sicuro.Il progetto prevede la ristrutturazione delle infrastrutture esistenti, l’aggiunta di nuove aree commerciali e di servizi per i passeggeri, nonché l’implementazione di misure di sicurezza avanzate. Si prevede che la ricostruzione della stazione di Penn richiederà diversi anni di lavoro e un investimento significativo, ma si spera che i benefici a lungo termine per i viaggiatori e per l’intero sistema di trasporto pubblico saranno degni dell’investimento.

Quando un’immagine AI diventa arte?

Le immagini generate dall’AI stanno ora filtrando nella pubblicità, sui social media, nell’intrattenimento e altro ancora, grazie a modelli come Midjourney e DALL-E. Ma la creazione di arte visiva con l’AI risale effettivamente a decenni fa.

Christiane Paul cura l’arte digitale presso il Whitney Museum of American Art, a New York City. L’anno scorso, Paul ha curato una mostra sull’artista britannico Harold Cohen e il suo programma informatico AARON, il primo programma AI per la creazione artistica. A differenza dei modelli statistici di oggi, AARON è stato creato negli anni ’70 come un sistema esperto, emulando il processo decisionale di un artista umano.

Christiane Paul

Christiane Paul è la curatrice dell’arte digitale presso il Whitney Museum of American Art e professore emerito al New School.

IEEE Spectrum ha parlato con Paul del programma AI iconico di Cohen, della curatela dell’arte digitale e della relazione tra arte e tecnologia.

Come curi l’arte digitale?

Christiane Paul: Curare l’arte digitale non è così diverso da qualsiasi altra forma d’arte. Che si tratti di pittura, fotografia o stampa, guardiamo tutti alla sofisticatezza di un concetto e a come viene tradotto in un medium. Quindi le mie scelte curatoriali non sono guidate dalla tecnologia. Se sei un curatore di pittura, la selezione di un’opera per una mostra non sarebbe guidata da una specifica vernice o tecnica per un pennello.

Collabori con ingegneri nel tuo lavoro?

Paul: Sì, certo. Molti artisti hanno anche una formazione in ingegneria, specialmente per quanto riguarda la vecchia generazione di artisti digitali. Quando non c’erano programmi o scuole di arte digitale, gli artisti digitali spesso avevano una formazione in ingegneria o programmazione. Quindi lavori con sviluppatori e ingegneri del software, e molti artisti sono programmatori o coder loro stessi – direi la maggior parte degli artisti con cui lavoro. A volte devono esternalizzare, solo a causa della quantità di lavoro, ma la maggior parte di loro è anche molto profondamente coinvolti.

Quali sono le sfide nel collezionare e conservare l’arte digitale?

Paul: Per istituzioni artistiche o collezionisti, è importante avere standard e migliori pratiche per l’archiviazione e il monitoraggio delle tecnologie, perché computer e sistemi cambiano così rapidamente. Negli anni ’90 le persone hanno iniziato a prestare più attenzione all’implementazione di approcci conservativi, e ci sono diverse strategie. Una di esse è la conservazione dell’hardware e dello storage. Questo viene utilizzato per opere che dipendono concettualmente dall’hardware. E poi c’è la migrazione, l’emulazione e la ricreazione.

Non c’è una soluzione miracolosa. Bisogna guardare l’opera d’arte individuale per vedere quale approccio potrebbe essere il migliore. Nella mostra di Harold Cohen, ad esempio, abbiamo praticamente ricreato una delle prime opere da zero basandoci sui quaderni di Cohen e sul codice stampato che abbiamo trovato, e suo figlio ha effettivamente ricodificato il tutto in Python. Abbiamo ricostruito il BASIC originale ma poi lo abbiamo anche ricodificato in Python.

Cosa ha ispirato la mostra di Cohen?

Paul: Conoscevo Harold Cohen da parecchio tempo. Abbiamo lavorato insieme a una mostra nel 2007, e AARON è un’opera iconica. Tutti coloro che studiano arte digitale conoscono questo come uno dei pezzi fondamentali.

Abbiamo portato alcune delle sue opere nella collezione del Whitney Museum, quindi mostrare questo era un punto importante. Ma ho pensato anche che sarebbe stato particolarmente interessante riprendere il primo software AI per la creazione artistica alla luce dei modelli attuali di testo-immagine. I loro processi sono radicalmente diversi, e l’autorialità e la collaborazione si manifestano in modo molto diverso.

Harold Cohen ha scritto AARON da zero. Era completamente responsabile della costruzione di quel software, che ha evoluto attraverso cinque lingue diverse durante la sua vita, quindi la composizione di un’immagine era completamente sotto il suo controllo. È passato da forme evocative, a una fase figurativa, a una fase basata sulle piante, per poi tornare all’astrazione. Alla fine della vita, ha insegnato al software la composizione dei colori e ha anche costruito i dispositivi di disegno che avrebbero eseguito il lavoro di AARON. Considerava davvero AARON un collaboratore, e AARON incarnava la sensibilità e l’estetica di Cohen.

Il software AI di oggi è essenzialmente basato su statistiche, e gran parte dell’autorialità e dell’agenzia avviene nella scatola nera aziendale. L’artista non ha controllo su questo, anche se gli artisti addestrano e regolano i propri modelli. Gli artisti che lavorano con l’AI sono molto impegnati nella manipolazione del software e nel lavorarci, ma c’è sempre una componente creata dalle aziende su cui non hanno controllo.

Le immagini generate dall’AI possono essere considerate arte?

Paul: Non tutte le immagini create dai modelli di testo-immagine sono arte. È meraviglioso che le persone possano usare l’AI per generare immagini e giocarci, ma non chiamerei quell’opera finale arte.

L’arte AI utilizza l’intelligenza artificiale come strumento e medium in modo concettuale e pratico, impegnandosi criticamente con quelle tecnologie e ponendosi domande, sia da un punto di vista etico che estetico. La maggior parte degli artisti AI di oggi si confronta con queste tecnologie in modo molto approfondito. Mettono insieme i propri set di dati di addestramento. Addestrano i modelli. Mettono in discussione i pregiudizi incorporati nell’AI. Quindi è un processo piuttosto complicato e coinvolto, e non è semplicemente un prompt di testo che genera un’immagine.

Questo articolo appare nel numero di maggio 2025 come “5 domande per Christiane Paul”.

Terri Meyer Boake è una rinomata professore di architettura presso la Facoltà di Architettura dell’Università di Waterloo, in Canada. Oltre alla sua carriera accademica, è anche una fotografa esperta che ha acquisito notorietà nel campo delle strutture esposte in acciaio. Nel corso degli anni, ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo contributo all’architettura e alla fotografia, tra cui il prestigioso Premio alla Carriera AISC nel 2023.

Boake ha dimostrato il potere della fotografia nell’architettura attraverso le sue immagini che catturano l’estetica e la funzionalità delle strutture in acciaio. Le sue fotografie non solo documentano i dettagli tecnici delle costruzioni, ma trasmettono anche l’essenza e l’atmosfera degli spazi architettonici. Grazie alla sua sensibilità artistica e alla sua conoscenza tecnica, Boake è riuscita a valorizzare e promuovere il lavoro degli architetti e degli ingegneri che progettano con l’acciaio.

Le fotografie di Boake non sono solo strumenti di documentazione, ma vere opere d’arte che comunicano la complessità e la bellezza delle strutture in acciaio. Attraverso il suo lavoro, ha contribuito a sensibilizzare il pubblico sull’importanza dell’acciaio come materiale di costruzione e sull’arte dell’architettura.

In conclusione, il potere della fotografia nell’architettura, come dimostrato da Terri Meyer Boake, risiede nella capacità di catturare non solo l’aspetto fisico delle costruzioni, ma anche le emozioni e le sensazioni che trasmettono. Le sue immagini sono un esempio eloquente di come la fotografia possa arricchire la nostra comprensione e apprezzamento dell’architettura e dell’ingegneria.

Il governo italiano, guidato dal Presidente del Consiglio Mario Draghi, ha deciso di utilizzare le riprogrammazioni già avviate del Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza (PNRR) per far fronte alle possibili contromisure ai dazi americani. Il PNRR è il piano di investimenti e riforme che l’Italia ha presentato alla Commissione Europea per accedere ai fondi del Next Generation EU, il piano di ripresa post-pandemia dell’Unione Europea.

Le riprogrammazioni del PNRR riguardano la redistribuzione dei fondi già previsti per determinati settori o progetti, al fine di rispondere in modo più efficace alle esigenze emergenti. Questa scelta è stata motivata dalla necessità di reagire prontamente alle sfide economiche e commerciali poste dai dazi americani, che potrebbero colpire alcuni settori chiave dell’economia italiana.

Il governo ha quindi deciso di concentrare gli investimenti e le risorse del PNRR su progetti strategici che possano rafforzare la resilienza dell’economia nazionale e favorire la ripresa dopo la crisi causata dalla pandemia di COVID-19. In questo modo, si mira a garantire la sostenibilità e la competitività del sistema produttivo italiano, anche in un contesto internazionale complesso e in rapida evoluzione.

Questa decisione del governo italiano evidenzia l’importanza strategica del PNRR e dei fondi europei per la ripresa economica del Paese, nonché la necessità di adattare in modo flessibile le politiche di investimento alle sfide e alle opportunità che si presentano sul piano internazionale.